julio 2012

sábado, 28 de julio de 2012

110 años de Viaje a la Luna


Hace 110 años, un prestidigitador llamado Georges Méliès vio en el cinematógrafo la mejor manera de crear una ilusión de 14 minutos llamada Viaje a la Luna, que inició el romance entre ese arte joven y un público de mirada ingenua que creyó que esas imágenes eran demasiado bellas para ser falsas.

"EL VIAJE EXTRAORDINARIO", EL DOCUMENTAL QUE MUESTRA LA VERSIÓN RESTAURADA DE "VIAJE A LA LUNA", DE MÉLIÈS"Nos hemos hecho mayores y el cine también. Ahora hay más efectos especiales, pero sabemos que nada de lo que vemos es verdad. Antes los trucos eran obvios, pero la gente era capaz de creer. Ahora se dice 'es demasiado bonito para ser cierto'. Entonces, era 'demasiado bello para ser falso'", explica a Efe Serge Bromberg.



Bromberg, junto a Éric Lange, se ha encargado de restaurar la copia coloreada a mano de Viaje a la Luna que se encontraba en la Filmoteca de Catalunya y, de ese proceso de reconstrucción de más de siete años, ha surgido el documental El viaje extraordinario.


"Fue maravilloso, como entrar en las pirámides de Keops y encontrar la tumba de Tutankamón. Pero también ha sido una gran responsabilidad. Restaurar una película no necesita una interpretación artística, requiere paciencia, dinero, tecnología y, al final, todo ello con el objetivo de que tu trabajo desaparezca, como si la película hubiera sido siempre así", asegura Bromberg.


El viaje extraordinario reflexiona también sobre la vigencia de la fascinación que crea la figura y la obra de Georges Méliès en realizadores como Costa-Gavras, Jean-Pierre Jeunet, Michel Gondry -"el director actual más parecido a Méliès", según Bromberg-, Michel Hazanavicius y Tom Hanks.

"La película no es tan impactante como impresionante por su poesía, por su tono inocente. Es como un libro para niños y tiene la magia de hacernos sentir niños otra vez. Méliès era un soñador con la capacidad de contagiar sus ganas de soñar, de devolverte a la infancia, y hay pocos directores y pocas películas que tengan esa habilidad", reflexiona Bromberg.

Las imágenes restauradas de Viaje a la Luna fueron utilizadas, no en vano, por Martin Scorsese en Hugo, donde Méliès era interpretado por Ben Kingsley y, gracias a la tecnología, el público pudo disfrutar de una obra centenaria en la mejor tecnología en 3D.

Como aquella película, pero en versión documental, "El viaje extraordinario" demuestra que el realizador, como los mejores magos, esconde más méritos en el invisible desglose técnico del truco que en el truco en sí.

"Tenía muchos trucos, más que efectos especiales. Hacía muchas tomas, muchas apariciones de humo. No es su película más elaborada, pero sí la más tramposa. Y restaurándola hemos visto lo compleja que fue su realización", que se produjo en platós de seis metros de ancho, en el jardín de un director que acabó vendiendo pequeños artilugios en la estación parisina de Montparnasse.

Viaje a la Luna inauguró el cine como espectáculo, lo abrió a la fábrica de sueños y a un género como la ciencia ficción.

"Sigue funcionando porque, realmente, el arte no depende de las cosas nuevas. Hay más efectos especiales, más comedias... pero nada tan eficiente como un beso entre un hombre una mujer, un hombre soñando... En siete historias puedes resumir todo el cine y la literatura de siempre", explica el restaurador y cineasta.

Respecto a quien se debe atribuir la invención del cine en sí, Bromberg explica que "los Lumière fueron lo que Rosselini y Roma, città aperta para el neorrealismo, y Méliès como la 'extravaganza' de Fellini", resume Bromsberg.

Pero al contrario que Fellini y su trabajo inseparable del músico Nino Rota, Méliès siempre dejó que la música que acompañara a Viaje a la Luna fuese a gusto de la sala que la proyectara, y por eso los restauradores de esta copia se permitieron "la osadía" de elegir al grupo de electrónica francesa Air como encargados de orquestar este nuevo viaje.

"Consideramos que la música es hermosa, es perfecta. Era una buena idea tener música para una nueva audiencia, porque éramos conscientes de que no solo teníamos que restaurar la película, sino que lo más importante era restaurar al público", concluye.


FUENTE: RTVE

lunes, 23 de julio de 2012

La Sexta 3: De aqui a la eternidad, Río rojo y Dos cabalgan juntos



Lunes 23 de julio a las 23.30 h.DE AQUÍ A LA ETERNIDAD

Segunda Guerra Mundial, 1941. El soldado Prewitt, recién asignado a la base militar de Pearl Harbor, es un antiguo boxeador que se ha retirado definitivamente del ring. El capitán Holmes, conocedor de sus habilidades como púgil, intenta que se una al equipo del ejército, pero Prewitt rechaza la propuesta. A partir de ese momento será sometido a toda clase de castigos y humillaciones tanto por parte de sus superiores como de sus compañeros. Sólo cuenta con la amistad y el apoyo de Angelo Maggio, un soldado cuya vida tampoco es muy fácil. Mientras tanto, el sargento Milton Warden  y Karen, la mujer de Holmes, viven una historia de amor adúltera. Pero la vida de todos cambiará con el ataque japonés a Pearl Harbor.

Se llevó ocho premios Óscar: actor y actriz de reparto, mejor fotografía en blanco y negro, mejor director, mejor montaje, mejor película, mejor sonido y mejor guion.

Título del programa




FICHA TÉCNICA

Año
1953

Duración
118 min.

Director
Fred Zinnemann

Reparto
Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr

Audio
Dual: español y V.O. en inglés

Miércoles 25 de julio a las 22h. RÍO ROJO

Situada en el viejo oeste, cuenta la historia de Thomas Dunson, un vaquero que crea su propio rancho en Texas y adopta a un niño huérfano, Matt. Dunson promete hacer a Matt su socio cuando este se lo haya ganado. Años más tarde, Matt y Dunson se pelean mientras intentan llevar  más de mil cabezas de ganado de Texas a Missouri y Matt  se lleva la manada por su cuenta. Dunston va tras su pista, jurando matarle.

Título del programa




FICHA TÉCNICA

Año
1948

Duración
133 min.

Director
Howard Hawks, Arthur Rosson

Reparto
John Wayne, Mongomery Clift, Joanne Dru

Audio
Dual: español y V.O. en inglés

Jueves 26 de julio a las 0.25h. DOS CABALGAN JUNTOS

Los familiares de los prisioneros blancos secuestrados por los comanches presionan al ejército federal para que los rescate. Al cínico comisario de Tascosa, Guthrie McCabe (James Stewart), lo convence el comandante Frazer para que se encargue de negociar con los indios la entrega de los cautivos. Le acompañará en su misión el teniente Gary

Título del programa





FICHA TÉCNICA

Año
1961

Duración
109 min.

Director
John Ford

Reparto
James Stewart, Richard Widmark, Shirley Jones

Audio
Dual: español y V.O. en inglés







lunes, 16 de julio de 2012

Muere Celeste Holm

La actriz estadounidense Celeste Holm, estrella de Broadway y ganadora de un Oscar como mejor actriz de reparto por Gentleman's Agreement (1947), ha fallecido este domingo en su casa de Nueva York a los 95 años. "Murió en paz en su casa, en su propia cama, con su marido y amigos cerca", ha explicado su sobrina Ammy Phillips, según informa la cadena CNN. Holm, nacida en Nueva York en 1917, ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto por su participación en Gentleman's Agreement (1947), una película de Elia Kazan sobre al antisemitismo.
Fue nominada para ese mismo galardón en 1949 por Come to the Stable y en 1950 por All about Eve. En Broadway, donde fue una estrella de la comedia musical, debutó en 1939 en The Time of Your Life, pero el éxito le llegó cuatro años más tarde con Oklahoma! Pese a su fama creciente en Hollywood, tras All about Eve decidió volver a Broadway y también comenzó una carrera de larga duración en la televisión, donde fue una presencia constante en la década de 1950. Celeste Holm se casó en cinco ocasiones y tiene dos hijos. Fuente:rtve

miércoles, 11 de julio de 2012

La Sexta 3: El hombre que mató a Liberty Valance

Miércoles 11 de julio a las 00.20h

Un anciano senador relata a un periodista la verdadera historia del hombre que mató a Liberty Valance. La acción comienza cuando un joven abogado, Ransom Stoddard, llega a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para ejercer la abogacía e imponer la ley en aquellas tierras. Nada más llegar, es robado y golpeado brutalmente por el temido pistolero Liberty Valance.

Título del programa



FICHA TÉCNICA

Año
1962

Duración
123 min.

Director
John Ford

Reparto
James Stewart, John Wayne,Vera Miles

Audio
Dual: español y V.O. en inglés

Los clásicos de La 1: El árbol del ahorcado

El árbol del ahorcado, 12 de julio a las 22:15h en La 1


El nuevo doctor de un pequeño pueblo de Montana es un tipo huraño. Uno de sus primeros pacientes es una joven que se ha quedado ciega. Gracias a los cuidados del facultativo, recupera la vista y se acaba enamorando de él. Sin embargo, el doctor la rechaza, atormentado por un oscuro pasado que trata de ocultar. Wéstern de carácter psicológico dirigido por Delmer Daves (''La senda tenebrosa'') y que supuso un inesperado éxito de taquilla. El punto de partida fue la novela homónima de Dorothy M. Jonson, autora de títulos tan señalados como ''El hombre que mató a Liberty Valance'' y ''Un hombre llamado caballo'', también llevados al cine posteriormente. ''El árbol del ahorcado'' supuso uno de los últimos largometrajes de un maduro Gary Cooper y, a la vez, el debut cinematográfico de George C. Scott, quien después protagonizaría películas del calibre de ''El buscavidas'' o ''¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú''. Con el tiempo, la cinta ha acabado convirtiéndose en un clásico del género, sobre todo por la canción del título, que se hizo muy popular y que le dio al compositor Jerry Livingston una candidatura al Oscar.




Titulo original
The Hanging Tree
Actores
Gary Cooper,Karl Malden,Maria Schell,George C. Scott,Ben Piazza,Karl Swenson,Virginia Gregg
Dirige:
Delmer Daves

lunes, 9 de julio de 2012

Muere Ernest Borgnine


Borgnine


El actor Ernest Borgnine, ganador de un Oscar por su papel en la película Marty (1955), ha muerto de insuficiencia renal a los 95 años en el hospital Cedars-Sinai Medical Center de Los Ángeles, sus hijos y esposa le acompañaron en su último adiós, según recoge el diario The Washington Post. Descanse en paz el gran Ernest Borgnine, uno de los referentes en el mundo de la escena, que no conquistó todo el reconocimiento que se mereció gracias a su trabajo.


El actor, de origen italiano, era conocido por sus personajes de "malo" y pasará en la historia del cine por ser quien golpea a Frank Sinatra en De aquí a la eternidad y encarnar a uno de los matones que amenaza a Spencer Tracy en Conspiración del silencio.


McHale Navy fue la serie que en Estados Unidos le hizo saltar a la fama en la pequeña pantalla en su papel de oficial de la Marina Quinton McHale en la serie McHale Navy.


Nacido el 24 de enero de 1917 en Hamden (Connecticut) Borgine era hijo de inmigrantes italianos. A los 18 años, mientras decidía su futuro, se alistó en la Marina, aunque lo dejó y volvió en 1941 para servir en la Segunda Guerra Mundial hasta 1945.


Tras tomar unas clases de actuación en la Randall School of Drama en Hartford entró en la compañía de teatro de Robert Porterfield, donde estuvo cuatro años. Su gran salto lo dio en 1949 cuando debutó en Broadway haciendo un papel de enfermero en Harvey, después del cual vino su primera película como Bill Street en The Whistle at Eaton Falls (1951).


Su carrera despegó en 1953 cuando fue elegido para el papel del sargento "Fatso" Judson en De aquí a la eternidad (1953), que le ayudó a conseguir numerosos papeles de secundario en dramas y películas del Oeste.


En 1955 recibió un Oscar por el papel de Marty Piletti en la película Marty, en la que encarnaba a un carnicero tímido y sensible. Borgnine se impuso a actores de peso como Spencer Tracy, Frank Sinatra, James Dean y James Cagney.


Posteriormente vinieron otros títulos como Estación Polar Zebra (1968) y El emperador del norte (1973) y numerosos papeles en televisión como McHale's Navy (1962), Airwolf (1984) y en 1995 formó parte de algunos capítulos de The Single Guy.


En sus más de seis décadas dedicado al séptimo arte ha participado en más de 100 películas y ha doblado la voz de películas animadas como Todos los perros van al cielo 2 (1996).




Borgnine estaba casado con Tova Borgnine, con quien contrajo matrimonio en 1973, aunque a lo largo de su vida se casó en otras cuatro ocasiones. Su primera esposa fue Rhoda Kemins entre 1949 y 1958, con quien tuvo un hijo; posteriormente se casó con Katy Jurado, entre 1959 y 1963; un año más tarde con Ethel Merman y en 1965 con Donna Rancourt, con quien tuvo tres hijos.




fuente: RTVE, http://www.ideal.es

domingo, 8 de julio de 2012

15 años sin James Stewart


 James Stewart valía para todo. Su talento interpretativo le llevó a trabajar con los más grandes directores: desde John Ford a Frank Capra, pero fue con Alfred Hitchcock con el que consiguió los papeles que le convertirían en una leyenda. 15 años después de su fallecimiento, queremos recordar a uno de los mejores actores de la Época Dorada de Hollywood.



Aunque su fama es hoy en día enorme, los comienzos de James Stewart en el Cine no fueron nada fáciles. El actor nacido en Pensilvania pasó verdaderas penalidades para salir adelante. Su compañero de fatigas fue su amigo Henry Fonda, que lo acompañó de audición en audición hasta que ambos recibieron la llamada de Hollywood. Curiosamente, ambos actores comparte el mismo estilo interpretativo: Stewart y Fonda proyectan una imagen tímida, pero íntegra y decidida, de personas honradas. Justamente, los roles que han caracterizado a ambos intérpretes.

La gran oportunidad de Stewart llegó a finales de los años 30, época en la que consiguió papeles importantes. Dos fueron sus colaboraciones con Frank Capra en estas fechas: Vive como quieras (1938) y Caballero sin espada (1939). En 1940 llegó la recompensa a su esfuerzo. Historias de Filadelfia, de George Cukor, le dio su primer y único Oscar al Mejor actor. En esta deliciosa comedia Stewart mantiene el tipo ante dos colosos de la gran pantalla: Cary Grant y Katharine Hepburn.

La Segunda Guerra Mundial truncó el ascenso meteórico de Jimmy Stewart, pero consiguió una imagen de patriota, leal y útil americano. Ascendió rápidamente y volvió a Hollywood con muchas ofertas en el horizonte. La más interesante, junto a Frank Capra de nuevo: ¡Qué bello es vivir! (1946), que rápidamente se convirtió en todo un clásico del cine navideño.

Al final de la década Stewart giró hacia un cine más serio. De la mano de Alfred Hitchcock, que encontró al que sería su gran actor fetiche. La soga, una adaptación de la obra teatral de Patrick Hamilton, fue filmada casi en su totalidad con una sucesión de planos-secuencia, tratando de imitar al libreto original. James Stewart soporta todo el peso de la película. Hitchcock quedó tan contento con él que ambos rodarían tres películas más.

La segunda colaboración del maestro del suspense con Stewart dio como resultado una auténtica joya. La ventana indiscreta vuelve a reunir al director con su actor favorito, interpretando esta vez a un inválido que sospecha que su vecino ha cometido un crimen. Hitchcock logra crear una tensión constante sin ni siquiera cambiar de escenario, logrando uno de sus mejores trabajos.

Con Vértigo, cuarta y última colaboración después de El hombre que sabía demasiado, consiguieron modestas críticas, pero la película ha ido ganando peso con el paso del tiempo. Hoy es una de las joyas de la filmografía hitchconiana. Vértigo es un complejo thriller, una lección de psicología sobre una intrigante trama. Stewart concluye magistralmente su etapa de suspense con el director inglés, para centrarse en otros géneros.


El lejano oeste fue uno de los escenarios favoritos para el actor. Stewart colaboró en casi una veintena de westerns. Anthony Mann fue el director con el que compartió mayor número de títulos, desde Winchester ’73 en 1950 hasta El hombre de Laramie en 1955. También con el gran John Ford rodó algunos títulos imprescindibles, como El hombre que mató a Liberty Valance.

¿Cómo un actor que ha aparecido en 92 películas termina su carrera solo con una estatuilla? Stewart tuvo ocasión de ganar el Oscar en cinco ocasiones. La última, en 1959 con Anatomía de un asesinato. Su relativa falta de galardones no le resta importancia a uno de los mejores actores de todos los tiempos. Sin Jimmy Stewart, Hollywood nunca habría vivido su Época Dorada.


http://www.nosologeeks.es

sábado, 7 de julio de 2012

Gina Lollobrigida cumple 85 años


Gina

La actriz italiana Gina Lollobrigida, musa del neorrealismo italiano e icono sexual de la época dorada de Hollywood, con películas como "La burla del diablo" -protagonizada junto a Humphrey Bogart y con guion de Truman Capote- cumple mañana 85 años tras una vida marcada por una fuerte vocación artística. Nacida en Subiaco (a 70 kilómetros de Roma) el 4 de julio de 1927, Lollobrigida sufrió una infancia marcada por la posguerra y debutó en el cine tras comenzar sus estudios artísticos y darse a conocer en el concurso Miss Italia 1947, que ganó Lucía Bosé.


Desde sus inicios fue muy admirada por su sensualidad y se ganó el apodo de 'maggiorata', que fue el término acuñado para designar a las voluptuosas actrices italianas de las décadas de los 50 y los 60 que encandilaban al público dentro y fuera de las pantallas, y que tiene en Lollobrigida y Sofía Loren a sus máximas representantes.

No obstante, la actriz romana -apodada 'Lollo'- mantuvo siempre una personalidad fuerte y determinada y no abandonó las inquietudes artísticas de su adolescencia, el dibujo y la fotografía, en la que desarrolló una carrera paralela a su trayectoria cinematográfica, llegando a ejercer de reportera gráfica.

Salió de su país de la mano del francés Christian-Jaque y protagonizó películas de todos los registros que la hicieron muy popular en Francia como "El gran juego" (1954), que interpretó junto a Jean-Claude Pascal, o "La ley" (1959), junto a Yves Montand.

Lollobrigida compaginó esas grabaciones con otras italianas: así, en estos años interpretó éxitos como 'Pan, amor y celos' (1954), de Luigi Comencini, donde encarnaba a una joven que rompía la monótona vida de un pueblo remoto de los Abruzzos al iniciar un romance con un 'carabinero' recién llegado, encarnado por Vittorio de Sica.

En su filmografía de más 60 películas las hay que no alcanzaron la fama, a pesar del tirón físico de la actriz, como sucedió con 'La mujer más guapa del mundo' (1955), de Robert Z.Leonard.

Como su compatriota Sofía Loren, con la que 'Lollo' mantuvo una fuerte rivalidad, la actriz formó parte de ese grupo de curvilíneas actrices italianas que hizo carrera en la época dorada de Hollywood en un momento en el que los contratos de exclusividad que las grandes compañías cinematográficas imponían a sus estrellas, sembraban sombras en un panorama aparentemente idílico.

Fue en Estados Unidos donde compartió guion con Frank Sinatra en 'Cuando hierve la sangre' (1959) e interpretó la comedia romántica 'Cuando llegue septiembre' (1961), en la mostraba al mundo con Rock Hudson una Italia despreocupada y alegre bajo la dirección de Robert Mulligan.

La italiana participó en aquellos rodajes de bandera estadounidense rodados en suelo español durante la época franquista, con 'Salomón y la reina de Saba', que grabó en 1959 y que es un reflejo de la moda medio exótica medio histórica de películas como el gran éxito 'Cleopatra', grabada pocos años después.

En la década de los 80 la italiana participó en la popular serie estadounidense 'Falcon Crest' y poco después también interpretó papeles en telenovelas como la argentina 'Milagros', producida por el conglomerado italiano de Silvio Berlusconi Fininvest y que abandonó por supuestas divergencias con sus compañeros de reparto.

En los últimos años inició una infructuosa carrera política y fue nombrada embajadora de buena voluntad con la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO) en 1999.

En el plano sentimental, la vida de Lollobrigida está a la altura de las leyendas del papel cuché: tras un matrimonio del que nació su hijo Mirko y de varios romances, la actriz, que llegó a declarar que 'ningún hombre' la había amado de verdad, tuvo planes de boda en 2006 con el empresario español Javier Rigau, 34 años menor que ella, que no salieron adelante por la 'presión' de la prensa.


http://www.elmundo.es

60 aniversario: Solo ante el peligro


Este western de Fred Zinnemann va más allá del argumento. El guionista Carl Foreman afirmó en una carta que esta película era una metáfora de la «agresión que sufría occidente», y un guiño a las Naciones Unidas.

La producción de «Solo ante el peligro» se topó con la segunda oleada anticomunista de los Estados Unidos –la «Red Scare»– y con la guerra de Corea. Ambos hechos salpicaron al equipo. Cuando el guionista y productor, Carl Foreman, estaba escribiendo la historia, el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas le citó para interrogarlo. Cuando Foreman fue a declarar, se sintió solo; aún así, no les proporcionó ningún nombre. Foreman consideró que la película que estaba realizando en ese momento iba a ser una alegoría de la Caza de Brujas. El guionista se marchó de los EE.UU. a Inglaterra, incluso antes de que su obra se proyectase en las salas de cine.


Zinneman utiliza como recurso en la grabación «el tiempo real»; la trama se narra al mismo tiempo que se produce en la ficción. La película fue muy criticada –tanto por el público como por directores y actores– por no tener los ingredientes «esenciales» del western: la violencia y la acción. Tan sólo en los últimos minutos de la película pueden escucharse tiros.

El actor John Wayne («El hombre tranquilo») criticó la obra de Zinneman porque consideró que era «lo más antiamericano que había visto en su vida». Por otro lado, el director Howard Hawks hizo «Río Bravo» (1959) con John Wayne como protagonista, como respuesta a «Solo ante el peligro», ya que, para Hawks, un buen sheriff (Gary Cooper) nunca pediría ayuda.

«Solo ante el peligro» fue el segundo papel que hizo la actriz Grace Kelly. El rodaje entre las dos mujeres que aparecen en la obra de Zinneman no fue nada fácil. Grace Kelly no soportaba la mirada de la actriz mexicana Katy Jurado, porque la hacía tartamudear. Tan nerviosa la ponía que las intervenciones de ambas las tuvieron que rodar de forma separada.

miércoles, 4 de julio de 2012

Paramount Channel: Crimen perfecto, El príncipe y la corista, Fanny y Alexander, Dos mujeres, De repente el último verano y Rebelde sin causa

 CRIMEN PERFECTO: DE JULIO, 18:15H


Tony Wendice maquina un plan para deshacerse de Margot, su esposa infiel. Pero la casualidad hará que sea a ella a quien finalmente acusen de asesinato. La inestimable ayuda de un inspector de policía ayudará a resolver el misterioso crimen.

Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock, basada en una obra de teatro de Frederick Knott. En esta ocasión, el mago del suspense utilizó una estructura de un espacio casi único, de manera parecida a la usada en "La soga" o en "Náufragos".

En "Crimen perfecto" aparecen, además, muchos de los temas recurrentes de Hitchcock. Uno de ellos (quizás el más importante) es el del falso culpable, que el director plantea en la mayor parte de su filmografía, como "Los 39 escalones", "Yo confieso", "Extraños en un tren" o "Con la muerte en los talones". También fue la primera película en la que Hitchcock contó con Grace Kelly, la rubia más famosa de su filmografía. Tras esta película, el cineasta volvería a utilizarla en "La ventana indiscreta" y "Atrapa a un ladrón".



Duración: 105 min.
Director: Alfred Hitchcock
Música: Dimitri Tiomkin
Nacionalidad: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. Pictures
Productor: Alfred Hitchcock
Guión: Frederick Knott
Intèrpretes: Ray Milland, Grace Kelly, Robert Cummings, John Williams, Anthony Dawson, George Alders...
Fotografía: Robert Burks
Año: 1954





EL PRÍNCIPE Y LA CORISTA: 6  DE JULIO, 13:20H



Durante una visita a Londres para la coronación del rey Jorge V, el gran duque de Carpathia conoce a Elsie, una bella corista a la que invita a cenar a su embajada. La velada no sale tal y como estaba prevista, debido a varias interrupciones inesperadas. Sin embargo, al día siguiente, ambos se darán cuenta de que ha surgido entre ellos un sentimiento muy especial.

Basándose en una obra de teatro del dramaturgo inglés Terence Rattigan, Laurence Olivier dirigió esta película que podría entenderse como una variación de “La Cenicienta”. Para Olivier, esta no fue su primera experiencia como director, pues anteriormente ya había realizado “Enrique V”, “Hamlet” y “Ricardo III”. Olivier también fue el protagonista del filme y tuvo como pareja a Marilyn Monroe. Se dice que durante el rodaje existieron fuertes tensiones entre ambos; ella parecía sentirse bastante insegura al trabajar con tan reputado actor, mientras que él encontraba agobiante su falta de profesionalidad.



Duración: 117 min.
Director: Laurence Olivier
Música: Richard Addinsell
Nacionalidad: Estados Unidos, Reino Unido
Productora: L.O.P. , Marilyn Monroe Productions
Productor: Laurence Olivier
Guión: Terence Rattigan
Intèrpretes: Laurence Olivier, Marilyn Monroe, Jeremy Spenser, Sybil Thorndike, Richard Wattis
Fotografía: Jack Cardiff
Año: 1957





FANNY Y ALEXANDER: DE JULIO,   15:20H


Fanny y Alexander son dos hermanos que pertenecen a la pintoresca familia Ekdahl, a principios de siglo XX. Sus padres, Oscar y Emilie, son el director y la actriz principal de la compañía local de teatro, respectivamente. Tras la repentina muerte de Oscar, Emilie se vuelve a casar con un predicador autoritario que les obliga a mantener una vida ascética.

Originalmente pensada como una serie de televisión, Bergman anunció esta epopeya familiar como su último filme: un testamento cinematográfico plagado de elementos autobiográficos (el fantasma del padre, el amor al teatro, los paisajes de la infancia). Sin embargo, aunque el diector cumplió su palabra de no rodar más para el cine, siguió trabajando regularmente para la pequeña pantalla.

En todo caso, el cineasta sueco se despidió del celuloide. Y es que “Fanny y Alexander” fue mimada por la crítica y consiguió cuatro Oscars en la edición de 1984: dirección artística, fotografía, vestuario y película de habla no inglesa.




Duración: 188 min.
Director: Ingmar Bergman
Música: 
Nacionalidad: Suecia, Francia, Alemania
Productora: Cinematograph AB , Gaumont International , Personafilm
Productor: Jörn Donner
Guión: Ingmar Bergman, Daniel Bell, Frans Helmerson, Marianne Jacobs
Intèrpretes: Pernilla Allwin, Bertil Guve, Börje Ahlstedt, Ewa Fröling, Jarl Kulle
Fotografía: Sven Nykvist
Año: 1982



  DOS MUJERES: DE JULIO,  14:15H


Cesira y su hija de 13 años, Rosetta, huyen de las bombas aliadas que caen sobre Roma durante la Segunda Guerra Mundial y se dirigen al pueblo natal de Cesira. Durante el viaje, la madre hace todo lo posible para proteger a la hija pero no puede evitar que ambas sean violadas por unos soldados. Esto es más de lo que Cesira puede aguantar.

Dramática historia sobre unas mujeres a las que la guerra les ha quitado todo y solo les queda su propia supervivencia. Se basa en una obra de Alberto Moravia y es fruto de la habilidad del director Vittorio De Sica para retratar los dramáticos efectos de la guerra sobre el pueblo italiano, algo que le convirtió en uno de los padres del neorrealismo. Aunque este filme es un poco posterior a este movimiento, De Sica sigue manifestando el mismo interés, esta vez, centrándose en el punto de vista de una mujer.

Esta mujer no es otra que Sophia Loren, sustituta en el último minuto de Anna Magnani. La fuerza de su interpretación, según ella inspirada en su propia experiencia de la guerra, le hizo ganadora de un Oscar a la mejor actriz y también triunfó en Cannes. Acompañan a Loren, un joven Jean Paul Belmondo y Eleonora Brown, en su ópera prima.



Duración: 100 min.
Director: Vittorio De Sica
Música: Armando Trovajoli
Nacionalidad: Francia, Italia
Productora: 
Productor: Carlo Ponti
Guión: Vittorio De Sica, Cesare Zavattini
Intèrpretes: Sophia Loren, Jean Paul Belmondo, Eleonora Brown, Carlo Ninchi, Andrea Checchi
Fotografía: Gábor Pogány
Año: 1960




DE REPENTE, EL ÚLTIMO VERANO: DE JULIO,   16:00H


Sebastian es un rico y mimado poeta estadounidense que muere en extrañas circunstancias mientras veranea en Europa. A partir de ese momento, su prima Catherine, que le acompañaba en el viaje, vive atormentada por terribles pesadillas.

Adaptación de una obra teatral de Tennessee Williams que, originalmente, tocaba temas tan escabrosos como el canibalismo (que fue obviado en la versión cinematográfica) y la homosexualidad.

El mismo autor de la pieza y Gore Vidal (“Calígula”) la adaptaron a la gran pantalla, aunque para ello tuvieran que ampliar la trama. La estructura de la historia se resintió de ello y lo mejor terminaron siendo las interpretaciones de sus dos estrellas femeninas, Elizabeth Taylor y Katharine Hepburn, ambas candidatas al Óscar por su trabajo en el filme.



Duración: 114 min.
Director: Joseph L. Mankiewicz
Música: Malcolm Arnold, Buxton Orr
Nacionalidad: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures Corporation
Productor: Sam Spiegel
Guión: Gore Vidal, Tennessee Williams
Intèrpretes: Elizabeth Taylor, Katharine Hepburn, Montgomery Clift, Albert Dekker, Mercedes McCambri...
Fotografía: Jack Hildyard
Año: 1959






REBELDE SIN CAUSA: 9  DE JULIO,  16:45H


Jim Stark es un adolescente conflictivo que se mete en una pelea tras otra. Al trasladarse a una nueva ciudad, conocerá a otros dos muchachos con los que trabará amistad.

Gracias a esta película, reflejo de la juventud de la década de 1950, James Dean adquirió de forma fulminante la categoría de mito, ya que fue estrenada solo un mes después de su muerte en un accidente de coche. De hecho, estuvo a punto de no realizarla, porque tenía un compromiso previo con George Stevens para trabajar en "Gigante". Como Elisabeth Taylor se quedó embarazada y se demoró el rodaje, pudo realizar este icónico rol. Como curiosidad, los otros dos actores destacados de la película, Natalie Wood ("Esplendor en la hierba") y Sal Mineo (quien ya había coincidido con Dean en "Gigante"), murieron también en circunstancias poco corrientes. Ella, ahogada, y él, asesinado a balazos.

Como curiosidad, el director, Nicholas Ray ("55 días en Pekín") no quería contratar a Wood para el papel de Judy, debido a su aspecto angelical. No fue hasta que ella se vio envuelta en un accidente de coche con Dennis Hopper y en el hospital la llamaron "delincuente juvenil", que el realizador cambió de parecer.




Duración: 111 min.
Director: Nicholas Ray
Música: Leonard Rosenman
Nacionalidad: Estados Unidos
Productora: Warner Bros.
Productor: David Weisbart
Guión: Stewart Stern
Intèrpretes: James Dean, Dennis Hopper, Natalie Wood, Sal Mineo, Jim Backus, Ann Doran, Corey Allen
Fotografía: Ernest Haller
Año: 1955





martes, 3 de julio de 2012

Muere Andy Griffith a los 86 años



El actor Andy Griffith, cuyo retrato de un sheriff en un pequeño pueblo convirtió a «El Show de Andy Griffith» en uno de los programas más duraderos de la televisión estadounidense, ha fallecido en su casa de Carolina del Norte, según informa Reuters citando fuentes de la cadena WITN.


La noticia fue confirmada a WITN por un gran amigo del mítico actor de 86 años, quien confirmó a la cadena que Griffith murió en su casa de Roanoke Island.


El portavoz de la oficina del Sheriff del Condado de Dare se limitó a decir que una ambulancia acudió a la residencia del actor, pero no añadió nada más.


El actor es conocido por sus papeles como protagonista en dos series de televisión sumamente populares: "The Andy Griffith Show" y "Matlock". En los años cincuenta, Griffith tuvo un papel fijo en "The Ed Sullivan Show" y "The Steve Allen Show". Actuó en la obra de Broadway "No Time for Sergeants" (1955) por la que resultó nominado a los Premios Tony, para intervenir posteriormente en su versión cinematográfica. Debutó en el cine en la profética y provocadora UN ROSTRO EN LA MULTITUD (1957).


En "The Andy Griffith Show" (1960), Griffith daba vida a un popular sheriff de una pequeña ciudad que hace gala de una notable sabiduría. El programa fue una de las series televisivas más populares de la historia de este medio. Dio lugar a exitosos spin-offs (series nacidas a partir de la misma), y hoy en día todavía se emite periódicamente. 


Griffith creó su propia compañía de producción en 1972, con la que ha producido varias películas y series de televisión. En 1981, fue nominado a un Premio Emmy® por su interpretación de Ash Robinson en "Murder in Texas" (1981). 


En 1986 Griffith produjo y protagonizó la muy exitosa serie de televisión "Matlock" (1986). El programa dio lugar también a varias películas televisivas. 


Griffith se licenció en Música en la Facultad de Chapel Hill de la Universidad de Carolina del Norte.






fuente: ABC, lahiguera.net