enero 2013

miércoles, 30 de enero de 2013

Mujeres con historia: Audrey Hepburn

En el aniversario por los veinte años de la muerte de Audrey Hepburn, la sección Mujeres con Historia de La Rosa de los Vientos ha querido recordar la figura de la actriz.




Para escuchar el programa pincha aquí.

martes, 29 de enero de 2013

Clásicos de La 1: Los tres días del cóndor

Clásicos de La 1: Los tres días del cóndor
Martes, 29 a las 22:30 - 00:30h


Joe Turner es un sedentario agente de la CIA cuyo único trabajo consiste en leer libros con el fin de detectar mensajes cifrados que permitan desvelar operaciones secretas susceptibles de perturbar la estabilidad del país, bajo la tapadera de la Sociedad de Literatura Histórica de Nueva York. Un día, mientras sale a comprar el almuerzo, sus compañeros son masacrados por dos hombres. Cuando Joe regresa y se encuentra con la matanza, pide ayuda por teléfono a sus superiores. Pero el hombre que le envían también intenta matarle a él. Dándose cuenta de que es la propia CIA la que está detrás de todo, Joe se oculta en casa de una fotógrafa a la que conoce por casualidad e intenta poner todo el asunto en conocimiento de la prensa. 




La cuarta colaboración entre Robert Redford y el director Sidney Pollack fue este thriller de espionaje basado en la novela de James Grady ''The Six Days of the Condor''. La cinta fue un gran éxito de público, pero parte de la culpa de ello fue que, poco antes de su estreno, los Estados Unidos fueron sacudidos por una serie de escándalos post Watergate, todos ellos con trasfondo político. Ello hizo que la trama de la película adquiriese un grado de credibilidad inimaginable pocos meses antes.

TÍTULO ORIGINAL Three Days of the Condor
AÑO  1975
DURACIÓN 117 min.
DIRECTOR Sydney Pollack
REPARTO Robert Redford, Faye Dunaway, Cliff Robertson, Max von Sydow, John Houseman, Addison Powell, Tina Chen, Walter McGinn

Gina Lollobrigida denuncia a su expareja


Rigau & Gina
Gina Lollobrigida, de 85 años, y el empresario español Javier Rigau Rafols, de 51, podrían estar casados, la actriz  ha denunciado a su expareja sentimental, a quien acusa de haber orquestado un matrimonio por poderes en Barcelona sin que ella lo supiera, informaron hoy los medios de comunicación locales.

"Podría haber sido estafada por Javier, una persona infame, que podría haberse casado conmigo por poderes en España sin que yo lo supiese y sin mi consentimiento, con el objetivo de heredar mis bienes tras mi muerte. Quiero esclarecer este asunto", explicó la actriz de 85 años.

"Javier me convenció para que le firmara unos poderes. Me dijo que los necesitaba para unos actos notariales en relación con un juicio. Sin embargo, me da miedo que se aprovechara de que yo no hablo castellano, y quién sabe lo que me hizo firmar. Ahora he encontrado por Internet un papel según el cual nos casamos en 2010, en Barcelona, en presencia de ocho testigos. Increíble. Él solo quiere heredar mi patrimonio". Lollobrigida añade que ha denunciado a Rigau.

La intérprete italiana y Rigau mantuvieron una relación sentimental entre 2006 y 2007. En octubre de 2006 Lollobrigida anunció a través de una exclusiva mundial a la revista española Hola que iba a casarse con Rigau, aunque tras varios meses de noviazgo suspendió el enlace con el español, 34 años más joven que ella. El fin de la relación lo hizo saber el empresario a través de un comunicado emitido por su abogado, Javier Saavedra, en el que afirma que "siempre querrá y respetará" a Gina Lollobrigida, a quien conocía desde hace 22 años. Su primer encuentro tuvo lugar en una fiesta en Montecarlo, en 1984.

Gina Lollobrigida
Ella también habló de su relación con Rigau. "Al comienzo, era solo pasión. Después llegó el amor". Con el tiempo ambos han contado que siguieron manteniendo una excelente relación, aunque nunca más se habló de boda

Lollobrigida cuenta entre sus trabajos cinematográficos con Salomón y la reina de Saba (filmada en España en 1959 y donde actuaba el estadounidense Tyrone Power, fallecido en pleno rodaje), La Romana (1954) y Cuando llegue septiembre (1961).

Alcanzó tal fama de sex symbol que en Francia publicitaban un sujetador utilizando su apodo, Les Lollos, y en Alemania llamaban Lollo a una locomotora con dos protuberancias que recordaban sus formas.

La intérprete está divorciada desde 1981 del médico yugoslavo Milko Scofic, con quien se casó en 1949 y con el que tuvo a su único hijo, Andrea Milko, que nació en 1957.


FUENTE: ABC, El País

lunes, 28 de enero de 2013

Dick Van Dyke premiado por el Sindicato de Actores


Dick Van Dyke recibirá esta noche el máximo honor del Sindicato de Actores de la Pantalla, el Premio a la Trayectoria. Ken Howard, copresidente del Sindicato de Actores de la Pantalla y la Federación Estadounidense de Artistas de Televisión y Radio, hizo el anuncio.

“Dick es un artista consumado –un actor enormemente talentoso, cuyo trabajo ha pasado por casi todas las categorías del entretenimiento”, dijo en un comunicado el presidente de SAG, Ken Howard. “Desde su mítica actuación en el musical de Broadway ‘Bye Bye Birdie’, y su incomparable humor en el programa ganador del Emmy ‘Dick Van Dyke Show’, hasta su inolvidable actuación como Bert en ‘Mary Poppins’, es un punto de referencia para los actores”.


Carl Reiner y Alec Baldwin serán los encargados de entregar a Dick Van Dyke el Premio a la Trayectoria durante la entrega de los premios SAG.

Así lo anunció Jeff Margolis, director y productor ejecutivo de la 19ª edición de los Premios del Sindicato de Actores de Cine (SAG); junto con destacar que el actor de 87 años recibirá este galardón en reconocimiento a su larga y prolífica carrera, así como a sus logros y acciones humanitarias llevadas a cabo fuera de los escenarios.

Van Dyke en la alfombra roja de los SAG


El artista de 87 años, quien ya ha sido galardonado con un Tony, un Grammy y cinco premios Emmy, será honrado por sus 60 años de carrera artística, en la que ha tenido un exitoso programa de TV y protagonizado clásicos del cine como Bye Bye Birdie y Mary Poppins , además de su compromiso con causas filantrópicas.

sábado, 26 de enero de 2013

Otra gata sobre el tejado de zinc

Scarlett Johansson, en 'La gata sobre el tejado de zinc'. | Gtres
Johansson interpretando a Maggie

La actriz Scarlett Johansson se ha atrevido con una de las obras más obras más célebres de todos los tiempos La gata sobre el tejado de zinc, de Tennessee Williams. La neoyorquina, de 28 años, ha pasado a engrosar la lista de actrices que se metieron en el papel de Maggie en el teatro.

La musa de Woody Allen ha estrenado una versión adaptada de la novela en Nueva York, donde comparte reparto Benjamín Walter, Ciaran Hinds y Debra Monk.

Elizabeth Taylor en el filme La gata sobre el tejado de zinc
Y parece que ha ido bien porque las primeras críticas a su actuación en el estreno de La gata sobre el tejado de zinc han sido muy buenas y califican a la Maggie de Scarlett como "más enfadada, orgullosa y cerebral".

La novela fue llevada al cine por el director Richard Brooks, en 1958, con Elizabeth TaylorPaul Newman como protagonistas. La cinta obtuvo seis nominaciones en los Premios Óscars, entre ellas a la Mejor Actriz.

En su tiempo, la adaptación al cine de esta obra tuvo bastantes criticas, ya que la obra teatral deja perfectamente claro el origen de los conflictos de Brick, con características de homosexualidad latente,  sin embargo, al llevarla a la gran pantalla se censura por los  Estudios .




fuente El Mundo

viernes, 25 de enero de 2013

TCM estrena la primera película de Kubrick: Fear and desire


Fear and desire
Ahora, 60 años después de su estreno en los cines (1953), nos llega Fear and desire, una película bélica que ha sido restaurada para comercializarla en dvd y Blu Ray, y que el Canal TCM estrenará este domingo, 27 de enero, a las 22:00.

Los espectadores de TCM podrán ver este filme, que hasta ahora nunca antes se había visto en España ni en salas de cine ni en televisión. Antes de este pase, se emitirán algunas de las grandes obras maestras del director.

Durante años, los aficionados al cine han buscado por las catacumbas de internet la primera película de Kubrick, infructuosamente; hasta el punto de formarse una aureola mítica a su alrededor. Sobre todo sabiendo que el director -famoso por su afán de perfeccionismo que sólo le permitió rodar 13 películas en 50 años de carrera- había intentado destruir todas las copias. Sin embargo una de ellas fue encontrada a finales de 1980 en Puerto Rico y adquirida años después por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, que comenzó a restaurarla.

Una película hecha con poco presupuesto pero planificada al detalle, que ya presagia el afán de perfeccionismo de su director, su dominio de la fotografía, de los encuadres, de la iluminación y de las cuestiones técnicas en general. Y en la que ya encontramos su desprecio hacia las guerras que luego ampliaría en dos de sus mejores películas: Senderos de gloria y La chaqueta metálica.




Kubrick dirigió esta película a los 22 años, con 13.000 dólares que le prestó la familia y un guión escrito por un amigo, Howard Sackler. Acababa de estallar la guerra de Corea y el director primerizo quería rodar una historia bélica inspirada en aquellas películas de la Segunda Guerra Mundial en las que un grupo de soldados se encuentran atrapados tras las líneas enemigas sin posibilidad de recibir ningún tipo de ayuda.

Su  tío, Martin Perveler, era el dueño de una cadena de drugstores y también financió la aventura de su sobrino, incluso le propuso convertirse en  su inversor durante su posible carrera en el cine, a cambio de una parte de sus futuras ganancias.

Para el equipo técnico Kubrick recurrió a la ayuda de unos amigos y su esposa Toba Metz, fue la script. El matrimonio no funcionaba bien y el trabajo en la película acabó por romperlo.

En cuanto a los actores, lo más curioso es que Kubrick contó con Paul Mazursky para interpretar a uno de los soldados. Años después, Mazursky triunfaría en Hollywood como director y guionista, siendo candidato al Oscar en cinco ocasiones. También contrató a Frank Silvera, un actor jamaicano que había intervenido en Viva Zapata, de Elia Kazan. E hizo pruebas hasta que dió con Kenneth Harp y Steve Coit, que interpretaban a los otros soldados, y a Virginia Leith, una modelo guapísima que interpreta a una campesina. Lo curioso es que los actores tan pronto hacen de soldados buenos como del enemigo, simplemente cambiándose de uniforme.

Fotograma de la pelíclua

Las dificultades en la sonorización y el doblaje hicieron que el presupuesto de la película se disparase hasta los 53.000 dólares. En junio de 1952 Kubrick terminó el montaje y alquiló un cine para mostrar la película al crítico Mark van Doren, que calificó a Fear and desire como "brillante e inolvidable" y auguraba un futuro prometedor para su director.

Sin embargo, otras críticas no fueron tan halagüeñas y Kubrick tuvo que sufrir cómo muchos espectadores se reían de la actuación de Paul Mazursky, que interpreta a un soldado que acaba perdiendo la razón.

Fear and desire se estrenó, finalmente, el 31 de marzo de 1953, en Nueva York y a pesar de las buenas críticas, tuvo muy poca taquilla y Kubrick se distanció de ella poco a poco hasta el punto de llegar a despreciarla. La definió como "un trabajo de aprendiz, un esfuerzo torpe y pretencioso", e hizo todo lo posible por destruir todas las copias, supervisando personlamente la destrucción de los negativos.

Pero no contaba con que la compañía Kodak hacía siempre una copia de seguridad para guardarla en sus archivos y cuando, en 1994, empezaron a aparecer copias, publicó una carta asegurando que era un "fallido ejercicio de cineasta aficionado. Una rareza completamente inepta, aburrida y pretenciosa. Con ella lo único que aprendí es que el dolor es un buen maestro".


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Fear and desire nos cuenta las peripecias de cuatro soldados cuyo avión se estrella detrás de las líneas enemigas, durante una guerra ficticia, e intentan regresar a su posición descendiendo por un río. Sin embargo, descubren que muy cerca de ellos se encuentra un general del ejército contrario y uno de ellos decide matarlo.

Adelantando los elementos psicológicos de otras de sus películas, Fear and desire, es interesante en cuanto también anticipa algunos temas recurrentes en la filmografía del director, así como su afán perfeccionista, su preocupación por los encuadres y la fotografía y su interés por innovar tanto temática como estilísticamente.

Una curiosidad que no puede perderse ningún aficionado al cine, y que nos permite comprobar los primeros balbuceos, tras la cámara, de uno de los grandes directores de la historia del cine.

fuente: RTVE.es, TCM

jueves, 24 de enero de 2013

30 años sin George Cukor

Se cumplen 30 años de la desaparición de George Cukor, uno de los grandes directores de Hollywood.

Cukor con otros directores

George Dewey Cukor  nació 7 de julio de 1899 en Nueva York en el seno de una familia burguesa de origen húngaro. Se convirtió en uno de los representantes más destacados de la comedia americana, y respetado por su cine sofisticado. Gran conocedor de la psicología humana se movió como nadie en la alta comedia y diseccionó hasta sus últimas consecuencias a sus personajes femeninos.

Se especializó fundamentalmente en comedias románticas llenas de ironía y mordacidad pero que siempre guardaban un punto de crítica social a las costumbres de la época. Así, por ejemplo, Historias de Filadelfia refleja la frivolidad y el comportamiento caprichoso de las clases más acomodadas y La costilla de Adán, la lucha por la igualdad entre hombres y mujeres. Su actriz favorita, la gran Katharine Hepburn, con la que Cukor trabajó en ocho ocasiones, escribió de él en sus memorias: "Su carrera fue extraordinaria pero rara vez se le sitúa junto a los que llaman 'grandes directores'. Creo que sé por qué. Era fundamentalmente un director de actores. Básicamente le interesaba que el actor brillara. Veía la historia a través de los personajes principales".


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Cukor siempre fue un director muy apreciado por la intelectualidad cinematográfica europea; entre otros, François Truffaut o Eric Rohmer reconocieron su capacidad artística y creativa y se identificaron con su inigualable tratamiento de la clase media.

El cineasta realizó mas de 50 filmes. La última película dirigida por Cukor fue Ricas y famosas (1981) interpretada por Jacqueline Bisset y Candice Bergen. 

Fue el director de películas como La dama de las camelias (1936), Luz que agoniza (1944), La costilla de Adán (1949) o Ha nacido una estrella (1954).

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"En realidad, no sé si soy muy hábil contando historias, prefiero los personajes", confesó.. Pero hizo películas que no le quedaron nada mal, sobre todo, teniendo en cuenta los tijeretazos de la censura, y las zancadillas de las productoras, que sufrió a lo largo de toda su carrera (sin ir más lejos, en España tuvimos que esperar 60 años hasta que la Filmoteca estrenó Ha nacido una estrella como Dios manda). Como remate, Something's got to give (1962), que podía ser su llave definitiva para la zona VIP de Hollywood, también tuvo que suspendida, aunque acabó estrenándose de mala manera, ante la repentina muerte de su protagonista: Marilyn Monroe.

Pero no todo iba a ser mal fario: en 1964, Cukor tocó al fin el cielo con My Fair Lady, mágica adaptación del Pigmalión de Bernard Shaw que logró ocho Oscar y los elogios de un joven francés llamado Jean-Luc Godard. 

Con la estatuilla en la cómoda, y los deberes por fin hechos y subrayados, Cukor se lo tomó con calma en las siguientes décadas: se divirtió con José Luis López Vázquez en Viajes con mi tía (1972), hizo historia al dirigir la primera coproducción entre Estados Unidos y Rusia (El pájaro azul, 1976), y cerró su generosa filmografía en 1981 con Ricas y famosas (debut de una casi adolescente Meg Ryan), haciendo un guiño a sus Mujercitas (1933) y, de paso, a sí mismo medio siglo atrás. 

El 24 de enero de 1983 fallecía en Los Ángeles.

martes, 22 de enero de 2013

Clásicos de La 1: Los cuatro hijos de Katie Elder

Esta noche, a las 22:15, Clásicos de La 1 nos ofrece Los cuatro hijos de Katie Elder, un clásico del western dirigido por Henry Hathaway (en 1965) y protagonizado por John Wayne y Dean Martin.

Los cuatro hijos de la difunta Katie Elder regresan a su pueblo natal, Clearwater, en Texas, para el funeral de su madre. John, el hermano mayor, es un famoso pistolero a quien siguen los problemas allá donde va. Los cuatro hermanos decidirán recuperar el rancho familiar, que su padre perdió en una partida de póquer con el herrero local, poco antes de ser asesinado. Pero la cosa será mucho más difícil de lo que esperaban. 

Recuperado de su primera batalla contra el cáncer, John Wayne apareció en este wéstern de 1965 como el hermano mayor de Dean Martin, Earl Holliman y Michael Anderson Jr. bajo la dirección de Henry Hathaway (el cineasta que acabaría consiguiendo que Wayne ganase un Oscar con la posterior ''Valor de ley''). Tan sólido como convencional, el filme se beneficia del trabajo de secundarios de la talla de Dennis Hopper (que sostuvo un legendario conflicto con Hathaway durante el rodaje), Strother Martin y George Kennedy.




TÍTULO ORIGINAL The Sons of Katie Elder
AÑO  1965
DURACIÓN 122 min.
DIRECTOR Henry Hathaway
REPARTO John Wayne, Dean Martin, Earl Holliman, Michael Anderson Jr., James Gregory, George Kennedy, Martha Hyer, Jeremy Slate, Paul Fix, Dennis Hopper


domingo, 20 de enero de 2013

20 años sin Audrey Hepburn

Pasó a la historia como la quintaesencia del glamour; se convirtió en el icono por excelencia de la elegancia y la sofisticación y encandiló al mundo con la imagen de tímida fragilidad que irradiaba su serena y singular belleza. 

Audrey Hebpurn
El 20 de enero de 1993 nos dejaba una de las grandes musas de Hollywood, un icono del cine y de la moda… El 20 de enero de 1993, fallecía Audrey Hepburn.

Cuesta pensar que una de las mujeres más adoradas por el público durante generaciones tuviera tan mala suerte en el amor. Audrey Hepburn, heroína romántica en la pantalla tuvo una vida llena de carencias afectivas que solo suplió, finalmente, como embajadora de Unicef.

Cinco nominaciones al Oscar... y cinco abortos. Dos estatuillas... y dos matrimonios fallidos. Audrey Hepburn, probablemente el icono del cine clásico más perdurable junto a Marilyn Monroe, activó en la audiencia algo que ella echó de menos desde niña: el cariño y la adoración. Musa de Givenchy en la moda, de Stanley Donen, Billy Wilder, George Cukor o Blake Edwards en la pantalla... pero rechazada por Albert Finney y Ben Gazzara fuera de ella. Su belleza era más etérea que sexy y sin el aura del glamour de películas como Vacaciones en Roma o Desayuno con diamantes, Audrey se sentía desvalida.

«Creo que el sexo está sobrevalorado. No tengo 'sex appel' y lo sé. De hecho, prefiero tener un aspecto curioso. Mis dientes son curiosos y no tengo los atributos que se le presuponen a una diosa del cine, incluido un buen tipo», decía de sí misma.

En los registros oficiales, dos matrimonios: uno con Mel Ferrer, notablemente mayor que ella, y otro con el aristócrata y neuropsiquiatra italiano Andrea Dotti. Con el primero sustituyó el verdadero amor por la admiración profesional. Con el segundo, por la «dolce vita». Con ellos tuvo sus dos hijos, Sean y Luca, otra de sus obsesiones, pues por esterilidad había descartado a algunos de sus amantes más apasionados, como William Holden o Robert Anderson. A Mel Ferrer lo conoció en una fiesta en casa de Gregory Peck y él le ofreció hacer «Ondine».

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En 1954 ya estaban casándose en Suiza por todo lo alto y Audrey buscó compatibilidad entre su emergente carrera y su flamante matrimonio, hasta el punto de rechazar Gigi por rodar Una cara con Ángel en París, ciudad donde Ferrer trabajaba con Jean Renoir en Elena y los hombres. Pronto Ferrer, quien había hecho de Pigmalión con Hepburn, se moría de los celos por el éxito de su esposa y el divorcio llegaría en 1968, poco después de su último éxito, Sola en la oscuridad, producida por Ferrer.

«No puedo explicar la desilusión que supuso. Lo intenté y lo intenté. Sabía lo difícil que era estar casado con una estrella mundial, a la que reconocen en cualquier sitio. Mel sufrió mucho. Pero creedme, yo puse mi carrera en segundo lugar», dijo entonces Hepburn. Pero un año más tarde estaba casándose con Dotti, uno de los solteros de oro de su época. Todo comenzó al estilo de Hollywood. Ella tenía 40 años y él 31, por lo que invertía los roles de su anterior matrimonio, pero entonces fue ella la que enloquecía de celos en una época en la que los paparazzi fotografiaban a su "latin lover" con otras mujeres.

Audrey Hepburn

Se habían casado el 18 de enero de 1969 en Suiza y varios abortos la llevaron a un estado de depresión, aunque finalmente sí consiguió concebir y dar a luz a su segundo hijo, Luca. El divorcio llegaría en 1982. Pero Audrey seguía buscando el amor en los brazos de sus compañeros de rodaje. «Llegó un momento en que su vida se convirtió en algo triste y patético y alcanzó un grado de desesperación en el que llegó a permitir que le trataran mal», explicaba Donald Spoto al presentar su biografía de la actriz en 2006, al respecto de la relación que le unió a Ben Gazzara.

Gazzara recordó así su romance en 1970. «Ella era infeliz con su matrimonio y yo también y nos consolamos el uno al otro, pero era imposible. Ella tenía su vida en Europa y Suiza y yo en Los Ángeles. La vida se interpuso entre nosotros», diría el actor, que también subrayó la inseguridad de Hepburn como actriz. Ese patrón era el que ya había practicado solo un par de años antes, y todavía casada con Mel Ferrer, con su romance extraconyugal más famoso, el que tuvo con Albert Finney durante el rodaje de Dos en la carretera. Finney no pudo con tanta intensidad.

Las carencias afectivas habían nacido ya desde el principio de su existencia. Por el contrario, sí aseguraba: «Nací con una enorme necesidad de recibir afecto y una terrible necesidad de darlo, diría. Abandonada por su padre y con una madre incapaz de transmitir el cariño, forjó una inseguridad que le hacía hidrofóbica o le provocó el llanto cuando vio que no habían respetado su voz en las canciones de My Fair Lady.

Audrey como embajadora de UNICEF
La delicadeza deslumbrante de Audrey Hepburn en la pantalla tenía un envés mucho más preocupante en la vida real. Y así, marcada por el rodaje de Historia de una monja, acabó entregándose a las causas humanitarias. «Al final encontró el sentido a su vida en su labor con Unicef. Pero fue prácticamente por eliminación», resumía Donald Spoto. Misiones en Somalia o El Salvador como Embajadora de Buena Voluntad de Unicef, pero en las condiciones de una voluntaria más, le reportarían un oscar honorífico. Y así, falleció, sentimentalmente realizada, por fin, el 20 de enero de 1993 a los 63 años. «He tenido momentos muy difíciles en mi vida. Pero fueran cuales fueran, los he superado y siempre he encontrado una recompensa al final», concluiría.

Fuente: ABC

sábado, 19 de enero de 2013

Divinity: especial 20 años sin Audrey Hepburn


Nadie como Audrey Hepburn encarna con tanta precisión el 'modelo Divinity' y por ello, coincidiendo con el 20º aniversario de su pérdida, el canal femenino de Mediaset España rendirá un homenaje a está legendaria intérprete el próximo domingo 20 de enero con '20 años sin Audrey'.





El próximo domingo 20 de enero, Divinity tv contará con una programación especial que incluirá la emisión de La vida de Audrey Hepburn, protagonizada por Jennifer Love Hewitt (22:30 h.); un documental biográfico sobre la vida de la actriz (11:45 h.) y la película Cómo robar un millón, en la que la estrella compartió cartel con Peter O’Toole (01:45 h.).

Tanto el documental como la tv movie que la actriz de 'The client list' protagoniza junto a Eric McCormack, Grabriel Macht y Emmy Rossum, repasan la vida de Audrey Hepburn desde su infancia en Holanda durante la ocupación nazi y muestran su ascenso al estrellato en Hollywood. Ya convertida en una celebrity mundial, la actriz nunca dejó de ser una mujer marcada profundamente por la tragedia de la guerra, el abandono de su padre y la desesperanza sentimental, lo que se tradujo en una azarosa vida romántica con múltiples amoríos y dos matrimonios.

Fotograma de la película

En la comedia de enredo Cómo robar un millón, William Wyler contó con un reparto de lujo (Audrey Hepburn, Peter O'Toole, Charles Boyer, Eli Wallach) para contar la historia de Nicole, la hija de un acaudalado coleccionista de arte cuyas obras son en su mayoría perfectas copias realizadas por él mismo. El magnate cede a un prestigioso museo una falsificación de la Venus de Cellini como si fuera la verdadera, y ante el temor de que los expertos descubran la vedad, Nicole contrata a un apuesto ladrón de guante blanco llamado Simon Dermott (Peter O’Toole) para que robe la estatua, sin sospechar que es en realidad un detective que está investigando a su padre.

Paramount Channel: especial 20 años sin Audrey Hepburn


El domingo 20 de enero, en horario de tarde, Paramount Channel rinde homenaje a esta actriz belga en el 20 aniversario de su muerte. Emitiendo tres de sus películas más conocidas. 

20 años sin Audrey

'SABRINA', A LAS 12:00 H.

Audrey Hepburn se mete en la piel de una especie de Cenicienta moderna, que debe el amor de dos de los guapos de la época: Humphrey Bogart y William Holden. Dirige, Billy Wilder.

Como anécdota, durante el rodaje de 'SABRINA'., Holden se enamoró apasionadamente de Audrey Hepburn, a quien propuso matrimonio, pese a estar ya casado. La actriz le rechazó aduciendo que no quería ser considerada como una rompehogares.

Linus y David Larrabee son los dos hijos de una adinerada familia. Mientras Linus trabaja en la empresa familiar durante todo el día, sin tiempo para nada más, David prefiere pasar el rato haciendo carreras de coches y seduciendo a decenas de mujeres. Sabrina, la hija del chófer de la familia, siempre ha estado enamorada de David. Tras una temporada en París, regresa convertida en una elegante y sofisticada joven que seduce al apuesto donjuán.


Una comedia romántica bastante menos ácida de las que solía rodar Billy Wilder, interpretada por un insuperable trío protagonista: Audrey Hepburn, en su personaje fetiche de Cenicienta; Humphrey Bogart, sorprendentemente hábil en un género tan poco afín a sus capacidades como la comedia; y William Holden, arrebatador como despreocupado seductor. La productora la presentó como "La película de los cuatro Oscars", pues su director y trío protagonista habían conseguido la estatuilla con anterioridad.







Duración: 113 min.
Director: Billy Wilder
Música: Frederick Hollander
Nacionalidad: Estados Unidos
Productora: Paramount Pictures
Productor: Billy Wilder
Guión: Billy Wilder, Samuel A. Taylor, Ernest Lehman
Intèrpretes: Humphrey Bogart, Audrey Hepburn, William Holden, Walter Hampden, Martha Hyer
Fotografía: Charles Lang
Año: 1954



'UNA CARA CON ÁNGEL', A LAS 14:00 H.

Fue el primer musical de Audrey Hepburn, pero estuvo acompañada de un partener de excepción: Fred Astaire.

Además, 'UNA CARA CON ÁNGEL'  fue la primera de las tres colaboraciones de la actriz con el director Stanley Donen, junto a quien rodaría dos de sus mejores películas: Dos en la carretera y Charada.

Maggie Prescot, editora de la revista de moda más prestigiosa de Estados Unidos, está buscando un nuevo tipo de modelo: alguien inteligente que se aleje de las chicas sin nada en la cabeza con que ha trabajado hasta ahora.


Stanley Donen, colaborador habitual de Gene Kelly, había realizado con este musicales de gran éxito como "Un día en Nueva York" o "Cantando bajo la lluvia". En esta ocasión, dirigió al otro gran bailarín del género musical, Fred Astaire, cuyo personaje está modelado a imagen del famoso fotógrafo Richard Avedon, quién realizó las instantáneas usadas en la película. Nominada para cuatro Oscars menores (quien años después reincidiría en el género con "My Fair Lady")


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Duración: 103 min.
Director: Stanley Donen
Música: Adolph Deutsch, Ira Gershwin
Nacionalidad: Estados Unidos
Productora: Paramount Pictures
Productor: Roger Edens
Guión: Leonard Gershe
Intèrpretes: Audrey Hepburn, Fred Astaire, Kay Thompson, Michel Auclair, Robert Flemyng, Dovima
Fotografía: Ray June
Año: 1957



'SOLA EN LA OSCURIDAD', A LAS 16:00 H.

Adaptación de una famosa obra teatral de Frederick Knott que le reportó a Audrey Hepburn su última nominación al Oscar a la mejor actriz. Y es que, pese a su evidente origen teatral, la película funciona perfectamente en gran parte gracias a la excelente interpretación de la actriz, en el papel de una mujer ciega, pero, ciertamente, no indefensa. La protagonista de "Desayuno con diamantes" invirtió muchos esfuerzos en este trabajo. No solo escogió personalmente el vestuario del personaje en tiendas de París, sino que acudió junto al director a una escuela para ciegos donde aprendió a leer braille. En su estreno en Estados Unidos, los cines optaron por apagar todas las luces durante los últimos 12 minutos de proyección, al ritmo de lo que ocurría en este tenso thriller no apto para cardíacos.


Una modelo y un fotógrafo se conocen en un avión. Ella lleva una muñeca llena de droga que debe entregar en Nueva York. La joven se la deja al chico y desaparece. Más tarde, en Greenwich Village, dos delincuentes que tratan de recuperar la mercancía se dan cita en el apartamento del artista con Roat, un despiadado criminal que asegura haber asesinado a la modelo. 


Duración: 107 min.
Director: Terence Young
Música: Henry Mancini
Nacionalidad: Estados Unidos
Productora: Warner Bros.
Productor: Mel Ferrer
Guión: Robert Robert Howard Carrington, Jane Howard Carrington
Intèrpretes: Audrey Hepburn, Alan Arkin, Richard Crenna, Efrem Zimbalist Jr., Jack Weston
Fotografía: Charles Lang
Año: 1967



viernes, 18 de enero de 2013

Robert Wagner se niega a ser entrevistado en la investigación sobre la muerte de Natalie Wood



Wagner & Wood
Según el diario 'Los Angeles Times', las autoridades quieren volver a interrogarl a  Robert Wagner por ser una de las personas que estaban en el barco en el momento de la desaparición de la actriz, muerta a los 43 años de edad, aunque las probabilidades de que vaya a la cárcel son muy remotas(si es que tuvo algo que ver).

De momento, los detectives asignados al caso desde hace más de un año se han encontrado con la negativa del intérprete, que en total ha concedido tres entrevistas a las autoridades desde que se produjera la tragedia hace 30 años.

"Hemos tratado de contactar con su abogado pero fuimos despreciados. Fuimos a su casa y se negó a hablar con nosotros, y le mandamos una carta, así que creo que es justo decir que declinó nuestra petición de entrevista de forma reiterada", ha explicado John Corina, teniente en la oficina del 'sheriff' del condado de Los Angeles.

El interés llega después de que se encontraran golpes y magulladuras en el cuerpo de la actriz antes de caer al agua. Las autoridades creen que Wagner podría aportar algo nuevo de lo ocurrido aquella noche, cuando protagonizó una acalorada discusión con su colega, el actor Christopher Walken, al que acusó de tratar de seducir a Wood.

La actriz, después de haber bebido bastante, decidió retirarse a su camarote y nunca más volvió a ser vista por su marido hasta que apareció flotando en el agua a altas horas de la madrugada. Es una versión, sin embargo, que Wagner ha ido modificando con el paso de los años, señalado por algunos familiares de la actriz y por el capitán del barco como el culpable de la muerte de la estrella de cine.


Wagner se ha defendido a través de un comunicado en el que asegura que después de 30 años no tiene nada nuevo que aportar a la investigación, por lo que pide que le mantengan al margen.

fuente: El Mundo, foxnews.com

Rodaje de Grace of Monaco

Kidman/ Kelly

El rodaje de Grace of Monaco comenzó en septiembre en Francia y  Mónaco y se estrenará en 2014.  Está dirigida por Oliver Dahan y además de Nicole Kidman en el papel de Grace Kelly, cuenta con Tim Roth, que hará de Rainiero. La española Paz Vega también está en el reparto, en el que encarna a la cantante Maria Callas.

Ni Alberto de Mónaco ni sus hermanas quieren ver a su madre en la gran pantalla. La familia principesca ha advertido en un comunicado que ellos no avalan la película 'Grace of Monaco', el biopic que actualmente rueda Nicole Kidman.

"Pese a las numerosas peticiones de cambios a la producción", no se han tomado en consideración, aseguran los hermanos Grimaldi en un duro comunicado emitido este miércoles, en el que niegan estar tranquilos "por la exigencia total de credibilidad de la producción", tal y como había asegurado recientemente la revista Paris Match.

En un tono muy firme, Alberto II y las princesas Estefanía y Carolina aseguran que no están "en absoluto asociados a este proyecto (...) supuestamente consagrado a sus padres". Para los Grimaldi, el filme "no constituye en ningún caso un biopic" sino una "página reescrita e inútilmente 'glamourizada' (...) conllevando importantes inexactitudes históricas y una serie de escenas puramente ficticias", prosigue la nota, recogida por Le Figaro.

Nicole Kidman caracterizada como Grace Kelly

Recientemente, la actriz australiana declaraba al diario francés que lo que le había interesado de la película era la "evolución" de la princesa: "No es un 'biopic' ni un documental de ficción sobre Grace Kelly, sino una pequeña parte de su vida donde ella desvela su gran humanidad, así como sus miedos y fragilidades".

Lámparas, suelos de mármol y alfombras rojas llenaron el gran palacio donde Grace Kelly y el Príncipe Rainiero III compartieron su domicilio conyugal y los cineastas han encontrado la réplica perfecta en Italia.
Artística: Los techos representan las pinturas clásicas de los dioses en los cielos
 Los techos representan las pinturas clásicas de los dioses 

Grandeza: El set comprende plenamente el interior del Palacio Real de Mónaco incluyendo lámparas de araña y suelos de mármol
El set comprende el interior del Palacio Real de Mónaco,
incluyendo lámparas de araña y suelos de mármol


Dormitorio: Cada aspecto del Palacio Real se contabiliza con auténticos muebles colocados en cada habitación
 Auténticos muebles colocados en cada habitación


Alfombra roja: El corredor escarlata escalera debe haber sido un espectáculo de bienvenida a Grace Kelly, que había asistido a un estreno de cine puede

En carácter: Nicole Kidman lleva Grace Kelly a la vida en uno de los trajes de princesa de los más famosos de Mónaco, junto a la pantalla marido Tim Roth


jueves, 17 de enero de 2013

Fallece Fernando Guillén a los 80 años

El actor falleció hoy en Madrid a los 80 años.

[foto de la noticia]Fernando Guillén nació en Barcelona en 1932. Comenzó sus estudios de Derecho en la Universidad de Madrid, donde participó en el Teatro Español Universitario, con el que puso en escena Tres sombreros de copa (1952) de Miguel Mihura y Escuadra hacia la muerte (1953), de Alfonso Sastre, junto a otros jóvenes talentos como Adolfo Marsillach, Agustín González y Juanjo Menéndez. Abandona luego la carrera para dedicarse plenamente a la interpretación.

Su carrera artística arrancó en 1952. Actuó con las compañías de Fernando Fernán-Gómez y de Conchita Montes. Después formó también compañía propia con su mujer, la actriz Gemma Cuervo, de cuya unión nacieron los también actores Fernando y Cayetana, además de otra hija, Natalia. Ambos se separaron posteriormente. En 2008, en el Teatro Calderón de Valladolid, donde interpretaba la obra El vals del adiós, anunció su retirada del teatro, a los 75 años de edad, obra de Louis Aragón, inspirada en la carta que el poeta francés había escrito en 1972 para despedir Les Lettres Françaoises, la publicación literaria que había dirigido desde 1953 y que se hundió al quedar fuera del paraguas protector del Partido Comunista, aparato con el que Aragon era cada vez más crítico. Jean-Louis Trintignant había llevado la obra a escena en París y Guillen lo hizo en España, país por cuya modernidad el actor luchó incansablemente desde la humilde atalaya del teatro, ese lugar que para actores como él fue el principio y el final de todo.


Guillén solía decir que el texto de Aragon poseía muchos puntos de contacto con sus propias contradicciones, con sus dudas sobre el sentido final de la vida. “He intentado mantener siempre la coherencia y el compromiso. Aunque, por necesidad, no haya hecho siempre el teatro que quería", aseguró en uno de los homenajes que recibió entonces por una carrera granada en el cine (encabezó el cartel de más de 30 filmes) y la televisión. Todo ello sin romper nunca su verdadero cordón umbilical, el escenario.

“Aragon es un autor afín a mí que soy rojo y quiero decir rojo y no simplemente de izquierdas”, declaró Guillén durante aquellos meses de despedida en los que identificó su insobornable pesimismo como la única forma inteligente de optimismo. En una entrevista con este periódico añadía: "Se está produciendo una vuelta al teatro de compromiso ideológico; no hay más que mirar la cartelera para comprender cómo el teatro está actuando de auténtico revulsivo frente a esa derecha que estamos viviendo hoy..., me hace muy feliz presentar este texto tan implicado en tantas cuestiones vitales para el ser humano como son la muerte, el suicidio, la desilusión, el fracaso, cosas que me han conmovido... Seguramente si no aparece este texto en mi vida no me retiraba, aunque he de reconocer que la verdadera razón de mi marcha también es orgánica".

No mentía el actor, una larga enfermedad llamaba a su puerta y el sentido común y el pudor le hacían intuir que era mejor la retirada. “Esta obra”, dijo en otra ocasión, “me remite a la etapa en que algunos actores de mi generación hacíamos un teatro comprometido. Luego vinieron unos jóvenes actores con más compromiso que le llevó a la cárcel: Juan Diego, Mario Gas, Lola Gaos, Vicente Cuesta, Juan Margallo y otros. Nosotros no llegábamos a tanto. Sólo hacíamos un teatro comprometido frente a la censura”.

Como era propio de un señor, Guillén siempre se quitó importancia, pero su labor trascendió a la del mero interprete de clásicos como Shakespeare, Zorrilla, Lope de Vega, Calderón o Pirandello. Pionero en la modernización del teatro español, contribuyó activamente en la apertura cultural de la dictadura cuando, a finales de los años sesenta, junto a su mujer, la actriz Gemma Cuervo, se preocupó en estrenar a autores como Albert Camus, Sartre, Edward Albee o Harold Pinter. De su larga colaboración con Adolfo Marsillach surgieron los montajes de, entre otras, El enemigo, de Julien Green; Pigmalión, de Bernard Shaw; Después de la caída, de Arthur Miller, y El malentendido, de Camus, la obra que para él marcó una de las cimas de su carrera y que fue un verdadera acontecimiento en 1969. El primer Camus por fin rompía las barreras de la censura y se subía a un teatro.

Entre los mayores éxitos del actor estuvo Equus, que representó durante tres temporadas, y su rostro se popularizó gracias a su presencia en conocidas series de televisión y en algunas de las películas más conocidas del cine español reciente. 

Guillén solía decir que para ser feliz solo necesitaba un libro, su perro y el sol. La larga enfermedad que ha acabado con su vida le fue privando sucesivamente de todo menos de lo que finalmente más le ataba al mundo, su familia. Sus tres hijos, los actores Fernando y Cayetana, y la mayor, la abogada Natalia, le han acompañado hasta el final junto a su mujer, Gemma Cuervo, quien hace tres años volvió a su lado para acompañarle en el solitario camino hasta la muerte.


Además de teatro ha trabajado en televisión y cine, donde se inició en 1953 con Un día perdido, de José María Forqué. No obstante, fue en televisión donde consolidó su carrera como actor, debutando cuando empezaba en España, en 1958, con la adaptación de la obra Pesadilla, de William Irish, bajo las órdenes de Juan Guerrero Zamora. En el programa Estudio 1 de TVE representó numerosas obras, al igual que en el espacio Novela, junto con su mujer Gemma Cuervo (Levántate y lucha, Marie Curie o El fantasma de doña Juanita, entre otras).

Fue un rostro habitual en las series de realizadores como Adolfo Marsillach, Alberto González Vergel o Pilar Miró. También su participación en la adaptación de la obra de José Zorrilla, Don Juan Tenorio, que se interpretó en cinco ocasiones en Estudio 1, siendo interpretado el papel de Don Juan por actores como Juan Diego y Carlos Larrañaga.

En televisión destaca La saga de los Rius (1976), Los jinetes del alba (1990) o la serie Motivos personales (2004), con Lydia Bosch y Concha Velasco.

En cine participó con regularidad a partir de los años 80 y 90, destacando Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) o Todo sobre mi madre (1998), ambas de Pedro Almodóvar. Además de Almodóvar, Guillén ha trabajado a las órdenes de José María Forqué, Pedro Lazaga, Fernando Fernán Gómez, Imanol Uribe, Gonzalo Suárez y trabajó con José Luis Garci en El abuelo y La herida luminosa… y así en decenas de películas que engrandeció con su presencia recta y sobria y su maravillosa voz.

Fuente: ABC, EL Mundo